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和楽器(わがっき)とは、日本で、古来から使われてきた伝統的な楽器のことである。邦楽器とも呼ぶ。

弥生時代から続く和琴 (わごん) や起源不明の胡弓など一部を除き、大陸に由来するものがほとんどで、「雅楽の琵琶」 (楽琵琶) のように、大陸では失われてしまった古い姿を残している楽器も多いが、「三味線」「尺八」「能管」「小鼓・大鼓」のように独特な進化を遂げたものもある。アイヌ音楽の楽器であるムックリやトンコリ、沖縄音楽の楽器三線もこの項の解説に含む。

◆ 特徴

◇ 音色の追求

和楽器はきわめてデリケートな音色の変化を尊重、追求する。そのため、特に室内系和楽器の音色の洗練度は非常に高い。例えば三味線は駒ひとつで大きく音色が変化し、中でも地歌三味線では、一人の奏者が何個もの駒を持ち、その日の天候、楽器のコンディション、曲の雰囲気などに合わせて使い分ける。駒そのものも重さなど実にデリケートな差異による追求がなされている。

また西洋楽器が操作機能や音域拡大、分担化の追求により分化、発展したのに比べ、和楽器は音色の追求により分化、発展したといえる。三味線音楽の種目ごとに楽器各部や撥、駒、弦 (糸) に微妙な違いがあるのがその好例である。胡弓の弓も、ヴァイオリンの弓が機能的に改良されたのとは違って、音色の追求により改良され現在の形になった。弦楽器は現在でも絹糸の弦にこだわるが(箏は経済的な事情でテトロンが多くなった)、これも絹糸でしか出せない音色を尊重するからである。

◇ 雑音の美

また、多くの楽器で音色技法が発達している。特に西洋音楽では現代になってやっと雑音的 (噪音 ) 要素を取り入れるようになったのに比べ、和楽器では早くから雑音の美が認められ、雑音的な要素までもが様々に取り入れられていることは大きな特徴である。西洋音楽の楽器(洋楽器)では、和声音楽に用いる音から倍音以外を排除しようという方向性を持っていた。この違いは顕著で、また近隣の中国や朝鮮の音楽と比べても、和楽器には噪音(倍音以外の音)を多く含む音を出す楽器の比率が高い。三味線や楽琵琶を除く各種琵琶の雑音付加機構「さわり」はその代表例である。また通常は噪音を出さない楽器でもわざわざ噪音を出す奏法がある。これは、民族がそのような音を望んだからとしか説明のしようがない。大陸から日本に伝来し、日本に定着する過程で、そのような変化、工夫が加わっていったものである。

◇ 小さい音量

西洋音楽の「モダン」な同属楽器と比較すると、音が小さいものが多い。古典派以降の西洋音楽ではコンサートホールのような広い空間で演奏するために大音量を要求され、そのために、音色の繊細さや演奏の容易さ、楽器自体の手触りなどの要素を犠牲にしても大きな音が出るような改良がなされ(ヴァイオリン、フルートなど)、それに向かなかった楽器(ヴィオール属、リュート、リコーダーなど)が淘汰されたのに対し、日本の楽器の多くはその淘汰を受けなかったからである。和楽器ではむしろ室内で耳をこらしてデリケートな音色の変化を賞玩するために、音量よりも音色の洗練、追求に力が注がれた。ただし音量の増大を目的とした改良も行なわれている(山田検校の箏改良など)。

一方、祭礼(祭囃子、神楽など)のために屋外で演奏される分野の楽器は、音量が大きい。和太鼓、鉦、鐘、篳篥、横笛、法螺がこれに相当する。また、浄瑠璃や長唄の三味線は歌舞伎・文楽・日本舞踊といった伝統芸能と共に用いられてきたため、広い劇場でもよく聞こえるよう、音量を増す方向に進化した。

◇ 簡素な構造による微妙な音色の演奏表現

木・竹・皮など天然素材を生かしたものが多く、近代・現代西洋音楽の複雑な機構を備えたピアノやベーム式フルートなどの楽器と比較すると、構造は簡潔で、操作のための器具がシンプルであったり無かったりする。西洋音楽は、その発達の段階で旋法から調性に基づくようになり、純正律に代えて転調に有利な平均律を導入してきた。そのような体系化の中で、楽器に複雑な機構を要求するようにもなった。

日本の音楽ではこれらのことを実現するための複雑な機構を求めるケースは少なく、あっても調弦変えや持ち替えなど、演奏者の奏法上の工夫で十分対応できた。近世邦楽では特に、演奏家の直接的な操作でしか表現できない微妙な音色、音程、余韻の変化などを積極的に利用、追求して来た。

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